Selvvalgte Stykker 2025

3. Division

Daedalus er en prominent figur i den Græske mytologi, kendt for sine evner som opfinder, håndværker og arkitekt. Historien om Daedalus symboliserer menneskets opfindsomhed og er indbegrebet af det komplekse forhold mellem kreativitet og konsekvenserne af det. Myterne om ham udforsker temaer som innovation, stolthed og den fine balance mellem menneskelig ambition og naturens begrænsninger.

Historien fortæller, at efter at have designet Labyrinten til Kong Minos, blev Daedalus og hans søn, Icarus fængslet i et tårn på Kreta. Daedalus fremstiller vinger lavet af fjer og voks og far og søn kaster sig ud i en skæbnesvanger flugt.
Musikken er gennemkomponeret med en kort introduktion der leder hen til 5 hoved afsnit:

I: Inventor in the Tower
II: Father and Son
III: Flight and Fall
IV: Lament
V: Seeker of knowledge

I, Daedalus

For Brass Band af
ANDREA PRICE

Daedalus er en fremtrædende figur i græsk mytologi, kendt for sine exceptionelle evner som opfinder,
håndværker og arkitekt. Historien om Daedalus symboliserer menneskelig opfindsomhed og er indbegrebet
af det komplekse forhold mellem menneskelig kreativitet og dens konsekvenser. Hans myter udforsker
temaer som innovation, stolthed og den farefulde balance mellem menneskelig ambition og naturlige
begrænsninger.

Efter at have designet labyrinten til Kong Minos, blev Daedalus og hans søn, Ikaros, fængslet i et tårn på
Kreta. Daedalus lavede vinger af fjer og voks, og far og søn begav sig ud på deres uheldige flugt. Musikken
er gennemkomponeret med en kort introduktion, der fører til fem hovedafsnit:

  1. Opfinderen i tårnet
  2. Far og søn
  3. Flugt og fald
  4. Klagesang
  5. Kundskabssøger

Værket er komponeret af Andrea Price, som er anerkendt britisk komponist med speciale i brassband-,
instrumental- og kormusik. Hun er også en dygtig percussionist, dirigent og underviser, med værker
fremført og indspillet af verdensførende bands og solister. Price er kendt for sin passion for
musikundervisning, især for unge musikere, og har haft en fremtrædende pædagogisk rolle på Chetham’s
School of Music.

I, Daedalus er udgivet i 2024.

2. Division

“I, Daedalus”, Andrea Price (2024)

Daidalos er en fremtrædende figur i den græske mytologi, kendt for sine exceptionelle evner som opfinder og arkitekt. Fortællingen om Daidalos handler om menneskelig opfindsomhed og kreativitet og de uforudsete konsekvenser heraf – det komplekse forhold mellem menneskets ambitioner og naturlige begrænsninger.

Efter at have designet minotaurus-labyrinten for kong Minos på Kreta sidder Daidalos og hans unge søn Ikaros indespærret i fangetårnet for at hemmeligheden om labyrinten skal forblive sikker. Daidalos fremstiller vinger af fuglefjer og voks, hvorefter han og Ikaros begynder deres farefulde flugt over havet. Daidalos advarer sønnen imod at flyve for tæt på solens varme, da voksen, der holder vingerne sammen derved vil smelte, men Ikaros glemmer i sin begejstring faderens formaninger og flyver for højt, og falder fra himlen ned i havet.

Musikken starter med en kort introduktion til det gamle Grækenland, og herefter skal vi høre fortællingen blive fremført i fem dele:

I – Inventor in the Tower
II – Father and Son
III – Flight and Fall
IV – Lament
V – Seeker of Knowledge

Renaissance betyder jo genfødsel og dette værk er en efterfølger til kioskbaskeren “Shine as the light.” Her tager Peter Graham (det er komponisten!) livtag med de helt store tanker, nemlig håbet om Kristi (snarlige, måske til festen?) genfødsel. Musikken er i vanlig frelserstil baseret på flere salmer. Der er tre satser, men de er skrevet sammen til en, så læn jer bare tilbage og lyt – det er ikke svært at finde ud af hvornår man må klappe.

Lake of the Moon (2008)
Kevin Houbens værk Lake of the Moon (2008) er en dramatisk og farverig koncertkomposition for brass band, inspireret af aztekernes mytiske rejse mod syd gennem Nordamerika i søgen efter et nyt hjem i 1300-tallet.

Værket indeholder fragmenter af orientalsk musik, sydamerikanske rytmer og lejlighedsvis motiver, der minder om russiske kosakker.
Musikken skildrer den farefulde migration med truende og spændingsfyldte klange.
I den langsomme og hengivne sats føres lytteren til Texcoco-søen, som aztekerne kaldte “Månens sø” – her kulminerer rejsen i en følelse af spirituel opfyldelse og hjemkomst.

Værket bygger på legenden om aztekernes oprindelse fra Aztlán og deres vandring til Texcoco-søen, hvor de grundlagde Tenochtitlán.
Titlen Lake of the Moon henviser til den spirituelle betydning af søen i aztekisk kosmologi.

Goff Richards’ Oceans was commissioned from the West of England Bandsmen’s Festival in 1984.

As the title suggests, the work takes its main inspiration from the sea and its many states.

Opening with bold fanfares led by the cornets, the strength of the ocean is laid out from the first note. After the majestic introduction, the music makes way for the primary theme. Broad in character, this theme rears its head a number of times during the course of the work.

A slow build-up of textures and dynamics lead to the first climax of the work. Here images of waves crashing is really at the forefront, making the music really come to life. As with any ocean, the idea of adventure and exploration is always at the forefront. Richards takes the listener on an exploration of new lands, with there being an apparent nod to the Caribbean in the central section of the piece. The playful rhythms paired with Richards’ rich and sonorous textures and colours makes this one of the highlight sections of the work.

As the original theme returns, one last time at the end of the work there is a sense of jubilation as the racing cornets dance around the rest of the band. The return of the opening fanfare sets the scene for the broad entrance of the main theme. Now with a glorious full band complement, the rich harmonies sing through as the piece begins its final leg to the finish line. Oceans ends in triumphant unison across the band.

Glorifico Aeternum – Dean Jones

Dette værk har et centralt tema, som er altafgørende for den kristne: muligheden for at bringe ære og taksigelse til Gud.
De kristne tanker og følelser afspejles i musikken, som har til formål at bevæge og begejstre både udøver og lytter.
Opbygningen af en treklang i musikken er den mest grundlæggende form for harmoni; stykket benytter dette princip og bygger motiver og temaer op omkring det.

Dedikeret til mindet om pensioneret bandleder Jim Hopkin, er Glorifico Aeternum bygget op omkring en kombination af traditionelle og moderne lovsange: Nu takker alle Gud, Somebody prayed for me, Over all the earth og The King of love my Shepherd is.

En lovprisning udtrykkes gennem hele den første sats, begyndende med en 10/8-behandling af “Nu takker alle Gud”.
Gennem sektionerne C til D, udvikler stykket sig fra en tone af høj lovprisning til en stemning af usikkerhed, som opsummeres i sektion E, især med den afsluttende bare kvint i basenden af orkestret.
Euphonium-soloen, som igen benytter treklangsprincippet, leder os ind i en harmonisk sektion med en meditativ melodi. Melodien bruges senere og får tematisk variation.

Den sidste sats’ temaer bygges op i lag af tre, hvilket fortsætter treklangsprincippet. Flugelhornet udvikler temaet, mens Euphonium og senere 1. Baryton snurrer energisk i baggrunden.

Stykket er ikke teknisk krævende for udøveren, selvom hver stemme har betydning og vil fremtræde på et tidspunkt. De kontrasterende musikalske stilarter skal hurtigt kunne tilpasses. Der er øjeblikke, som kræver metronomisk præcision fra orkestret, mens andre sektioner kalder på rubato og følelse.

1. Division

Tyrfings saga komponeret af Jacob Vilhelm Larsen, blev bestilt af dirigent Clive Zwanswiniski og Tysvær Brass fra Aksdal, Norge til de norske nationale mesterskaber i
brassband 2012.

Musikken er frit baseret på sagaer, der involverer det magiske sværd “Tyrfing”.

Sagaen: “Svafrlami var konge af Gardariki og Odins barnebarn. Han
formåede at fange dværgene Dvalinn og Durin, da de havde forladt
klippen, hvor de boede. Han tvang dem til at smede ham et sværd med et
gyldent fæste, der aldrig ville fejle et slag, aldrig ville ruste og
ville skære gennem sten og jern lige så let som gennem tøj.

Dværgene lavede sværdet, og det skinnede og glimtede som ild. Men som
hævn forbandede de det, så det ville dræbe en mand, hver gang det blev
trukket, og at det ville være årsag til stor ondskab.”

… Out of the Storm Clouds… / Jonathan Bates

I oktober 2012 blev hele verden grebet af den superstorm, der hærgede USA. Med vindhastigheder på over 160 km/t kostede orkanen Sandy 253 menneskeliv og efterlod over 65 milliarder dollars i skader. Det var disse scener, der inspirerede til dette værk. 

Selvom dette stykke er kontinuerligt, er værket opdelt i tre let identificerbare
sektioner. 

DEVASTATION

Fra starten skildres stormens hurtige, voldsomme natur med effektfulde cornetter og tromboner og lange accentuerede akkorder fra lowbrass og percussion. Pludselig, midt i alt kaosset er der et øjeblik af ro, i stormens øje. Trods det kaotiske omkring det (staccatofigurerne i dæmpede tromboner og cornetter), optræder stykkets hovedmelankolske tema for første gang her i solohornlinjen. Cornet/trombone-effekterne vender tilbage, når orkanen genopstår i sin fulde, ødelæggende form og river bygninger i stykker.

DESPAIR 

Midtersektionen af ​​værket er en hyldest til ofrene for orkanen Sandy. Der er kadencer for euphonium, cornet, Eb tuba, horn og vibrafon, der hver fungerer som en ensom stemme, der beder, græder og håber. En rolig, statisk åbning til denne sektion skildrer et goldt og tomt landskab, revet i stykker af hård vind og regn, uden menneskeliv at se i miles omkreds. Den følgende opbygning og tema er, hvad hele stykket både er baseret på og centreret omkring. Denne sektion er den virkelige essens i stykket og fungerer som en klagesang til dem, der mistede livet. Den barske virkelighed af ødelæggelserne vender dog tilbage mod slutningen af ​​denne sektion, og de fortvivlede solostemmer træder igen i forgrunden.

DETERMINATION

Stykkets sidste sats har en underliggende følelse af håb. Scener fra eftervirkningerne af orkanen var lige så mindeværdige som billeder af selve stormen. På trods af dette er der altid en gribende påmindelse om, hvad de har måttet udholde (via citater fra de første to satser). 

PHILIP SPARKE – TALLIS VARIATIONS

Tallis Variations blev skrevet af Philip Sparke til de Europæisk Mesterskaber for Brass Bands i år 2000.

Salmetemaet, som variationerne er baseret på, er det tredje af ni, som Thomas Tallis skrev i 1567 som en del af en salmebog til den første anglikanske ærkebiskop af Canterbury, Matthew Parker. Vaughan Williams brugte det berømt mange år senere som basis for sin Fantasia.

Efter den hektiske og turbulente indledning præsenteres den første halvdel af temaet af midterstemmerne i orkestret. Variation 1 er baseret på de to første toner af temaet i e-mol. Variation 2 indeholder en blid, men meget vanskelig flugelhornsolo samt en varieret udgave af temaet i koralform. Variation 3 indledes med en række korte soloer, før en rolig cornetmelodi fremtræder.

Den sidste variation er livlig, begynder med cornetfanfarer og udvikler sig omkring et fuga-lignende tema, først spillet af euphoniumerne. Til sidst vender musikken fra første variation tilbage og leder frem mod den afsluttende præsentation, inden musikken stilner af og slutter fredfyldt i skønheden af Tallis-koralen igen.

”Kingdom of Dragons” eller på Dansk ”Dragernes Rige” er skrevet i 2007 af Philip Harper
Stykker blev skrevet til ære for Gwent Youth Brass Band, som i 2010 havde 50’års jubilæum.
”Drageriget” er navnet på Gwent i Sydwales, som i middelalderen var kendt som kongeriget Gwent, og som stadig er hjemsted for Newport Gwent Dragons rugby-hold.
Stykket er delt i 4 sektioner, selvom det er kontinuerligt. De 4 sektioner repræsenterer hver sin enhedsmyndighed, der udgør County of Gwent.

  1. Monmouthshire, som har et stort antal gamle slotte.
  2. Blaenau Gwent, et historisk område med jern- og kulminedrift.
  3. Torfaen, hvor Pontypool Park er et bemærkelsesværdigt vartegn.
  4. Newport, den største by i regionen.

Stykket starter med 2 takters fanfare. Derefter beskriver stemningen de gamle slotte i Monmouthshire med rullende tenortrommer og fanfarer fra cornetter.
Så stilner musikken af og synker ned i kulminerne i Blaenau Gwent. Lyden som industrimaskiner kommer fra percussion. Musikken accelererer og bliver en nervepirrende tur i den underjordiske jernbane. Herefter introduceres en minearbejders arbejdssang, der bliver bygget op til en glorværdig afslutning ligesom Storbritanniens mineindustri.
I orkestrets mellemklang finder du roen i Pontypool Park, som er et sted med meget skønhed. Ved slutningen af denne sektion er vi på toppen af Folly Tower, hvor man kan se Monmouthshires borgtårne.
Sidste sektion ”Newport” er et symbol på fremskridt og optimisme for fremtiden.
Musikken er en energisk fuga, som går gennem forskellige tonearter og episoder, før værket ender i en storslået afslutning.

Stykket blev skrevet til Michael Antrobus og Eikanger-Bjørsvik Musikklag (europamestre i 1988/89). Sparke beskriver det som en kort koncertåbner, hvor han citerer et par norske folkemelodier for at skabe et musikalsk billede af vikinger, der stormer fra kysten for at gå i kamp. Han nævner endda, at vikingerne drak en svampedrik for at dæmpe frygt og smerte – og blev til bersærkere! Det giver stykket en rå og energisk karakter, som passer perfekt til brass bandets kraftfulde udtryk.

Philip Sparke – Brass bandets grand old composer
Philip Sparke er en af de mest spillede nulevende komponister inden for både Brass band og harmoniorkester. Sparke har en særlig evne til at kombinere teknisk udfordring med musikalsk fortælling, hvilket gør hans værker både spændende at spille og lytte til.

Elitedivision

Da elitedivisionen er en lukket bedømmelse, står kun beskrivelserne af stykkerne. Rækkefølgen er i alfabetisk orden.

English Heritage blev skrevet af George Lloyd i 1988 på bestilling af National Brass Band Championships of Great Britain, hvor det blev brugt som teststykke i Royal Albert Hall. Værket er et musikalsk portræt af den engelske kulturarv, fyldt med storslåede melodier, dramatiske kontraster og en varm lyrisk tone, som er kendetegnende for Lloyds musik.

Publikum vil kunne høre, hvordan komponisten trækker tråde på både traditionelle engelske klange og romantisk orkestrering, hvilket giver stykket en særegen blanding af pomp, kraft og lyrisk skønhed. English Heritage kræver både teknisk præcision og musikalsk indlevelse af musikerne – og giver til gengæld lytteren en oplevelse af både national stolthed og følelsesmæssig dybde.

I år 2005 markerede man 100-årsdagen for Jules Vernes død, og begivenheden inspirerede Peter Graham til at skrive en musikalsk hyldest til forfatteren, der beskrives som “science fictionens fader”.
“Journey to the Centre of the Earth” er et af Jules Vernes mest kendte værker. Romanen har form af en række dagbogsnotater af Axel, nevø til professor Otto Lidenbrock. Parret følger kodede instruktioner i et gammelt dokument, der guider dem til Island, hvor de sammen med deres guide Hans går ind i det åbne krater af en udslukt vulkan Snæfells og følger en sti til Jordens Indre. Derefter følger “hårbrede landskaber og farefulde eventyr”, når de frygtløse opdagelsesrejsende møder en enorm indre verden.

Stykket er et programmusikalsk som tager lytteren med på en dramatisk musikalsk rejse dybt under jordens overflade. Musikken skildrer forskellige scener fra rejsen: den spændingsfyldte afrejse, opdagelsen af underjordiske landskaber, mødet med farlige og fantastiske væsener, samt den episke klimaks og tilbagevenden til overfladen. Stykket kombinerer dramatik, humor og mystik, og bruger orkestret til at male levende billeder af de mange eventyr og farer, heltene oplever.

Thomas Doss’ REM-Scapes (:“Time to sleep”), komponeret i 2014, er en eklektisk blanding af klangfuldt spil og teknikker på højt niveau. Navnet på stykket refererer til “Rapid Eye Movement” – som er en unik søvntilstand, der kun ses hos pattedyr og fugle. Denne fase dikteres af hurtige øjenbevægelser og en afslappet krop i hviletilstand, hvilket betyder, at chancerne for at drømme øges dramatisk.

REM-Scapes er en musikalsk gennemgang af denne søvnfase og tager dig gennem forskellige stadier af hvile, drømme og meget mere…
Værket blev første gang fremført af Brass Band Bürgermusik Luzern ved EBBC 2014 i Perth (UK), hvor det førte til sejr foran bands som EBML og Black Dyke.

Sand og stjerner skildrer flyver-forfatteren Antoine de Saint-Exupérys forsøg på at slå rekorden for en flyvning fra Paris til Saigon. Rejsen begyndte planmæssigt, men endte brat i hjertet af Sahara med et havareret fly og en redning i sidste øjeblik af piloten og hans navigatør. Værket er skrevet i seks afsnit og er særdeles farverigt: det veksler mellem en mystisk stemning, det øredøvende brag af et fly, der rammer jorden, og livligheden i en arabisk dans, krydret med soloer for kornet og euphonium, inden det rundes af med et spektakulært musikalsk fyrværkeri.